„The American Sector“ untersucht Innenpolitik, Stück für Stück Berliner Mauer

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Der neue Dokumentarfilm „The American Sector“, der am Freitag im virtuellen Kino von Metrograph eröffnet wird, erzielt außergewöhnliche Ergebnisse durch kühne Methoden – und durch die Bereitschaft seiner Regisseure Courtney Stephens und Pacho Velez, ihre eigenen Prämissen in Frage zu stellen. Die Einbildung des Films droht sich in seiner eigenen Ironie zu erschöpfen: Stephens und Velez suchen in den USA nach Dutzenden von Fragmenten der Berliner Mauer, die sie in ihren oft lächerlich unpassenden Schauplätzen filmen. Doch von dieser Mission entfernt sich der Film schnell, um sich auf die vielfältigen unerwarteten Begegnungen der Filmemacher vor Ort zu konzentrieren. Das Ergebnis ist ein Film, der auf kraftvolle Weise die aktive Präsenz der Geschichte im alltäglichen bürgerlichen Leben evoziert – und die Politik enthüllt, die ihrem Gedenken innewohnt.

Velez hat mit dem Sensory Ethnography Lab in Harvard zusammengearbeitet, einem Inkubator für die radikale Entpersönlichung des Dokumentarfilms, wie beim Film “Manakamana“, die er und Stephanie Spray gemeinsam inszenierten, hauptsächlich mit einer fest installierten Kamera an einer Seilbahn in Nepal. Dort, wie in anderen Filmen von Lab-Teilnehmern und Alumni, werden die Epiphanien, die sich aus der Aufzeichnung von Personen und Ereignissen mit minimalem Eingriff ergeben, durch die schüchterne Starrheit der konzeptionellen Rahmen ausgeglichen und manchmal in den Schatten gestellt. Laut der Zeitschrift Filmemacher, Velez, der Kameramann des Films, hatte ursprünglich geplant die Platten der Mauer nur beobachtend zu präsentieren, ohne Interviews. Aber während der Dreharbeiten begann Stephens, der den Ton aufnahm, mit Leuten zu sprechen, die sie in der Nähe der Mauerstücke trafen; diese Gespräche (an denen auch Velez damals teilnahm) nehmen den größten Teil der Filmlaufzeit ein und liefern die entscheidende Substanz. Die Mischung aus konzeptueller Reinheit und erfahrungsorientierter Offenheit erinnert daran, dass Form und Stil im Dokumentarischen wie im Fiktionalen gleichermaßen wichtig sind und in beiden Formaten dem gleichen Zweck dienen: Ideen in Taten umzusetzen, Bewusstsein in Echtzeit zu verkörpern.

Die ersten Aufnahmen des Films zeigen eine Platte der Berliner Mauer, die wie ein Kubrickian-Monolith in einem unberührten Wald von Pennsylvania aufrecht steht; ein weiteres Paar vor einem ahnungslosen Spaziergänger in einem Hotel in Dallas; und noch ein weiteres schmückt die Nachtlandschaft auf einem College-Campus, während Menschen und Fahrzeuge gleichgültig vorbeifahren. Solche Bilder sind der grundlegende Schock des Films: die Tatsache, dass die Berliner Mauer zu einer Quelle verstreuter Erinnerungsstücke in einem breiten und inkohärenten Spektrum öffentlicher und privater Umgebungen geworden ist. Weniger als drei Minuten später treffen Stephens und Velez Mary Fanous, eine Informationsbeauftragte des Außenministeriums, die den Filmemachern ein Geplänkel über das dort gezeigte Sondersegment erzählt, das sie als Loblied auf „Diplomatie“ und „Freiheit“ beschreibt .“ Stephens und Velez sind weit davon entfernt, nur offizielle Banalitäten zu bieten (eine weitere Schicht leichter Ironie), sondern entlocken vielen, deren Nähe zur Mauer nichts mit Regierungspflichten verdankt, freiere und fundiertere Bemerkungen (und auch von einigen Regierungsangestellten). . „The American Sector“ ist ein Dokumentarfilm für die Person auf der Straße (und zu Hause und im Büro), der eine außergewöhnliche Bandbreite an politischen Diskursen sammelt. Die Platten der Mauer werden zu etwas mehr als nur einem gemeinsamen Nenner für Bildschirmdiskussionen: Sie fungieren als Wahrheitsgeräte, extrahieren tief verwurzelte und zutiefst persönliche Beobachtungen wie mit einer metaphysischen Kraft, die auch die Kamera und das Mikrofon mit Energie versorgt und den Diskurs über die anhaltende Kraft Geschichte in scheinbar physische, gewichtige Inkarnationen davon.

Es ist erstaunlich und verwirrend genug, ein Stück der Berliner Mauer zu sehen, das als Kulisse für Krocketspiele auf einer Firmenfeier dient, oder zwei Platten, die am Rand einer Autobahn hochragen, die Autofahrer mit 70 Meilen pro Stunde bewundern können. Doch der substantielle, aufschlussreiche und kritische Diskurs, den die Mauerfragmente anregen, legt nahe, warum sie an den verfluchtesten Orten auftauchen: warum ein Mann aus Hollywood Hills außerordentliche Anstrengungen und Kosten auf sich nimmt, um eine Platte auf sein Grundstück transportieren zu lassen; warum Microsoft ein Stück in seinem Hauptsitz in Redmond, Washington, hat; warum es ein Stück vor einem Restaurant in Suwanee, Georgia, und ein weiteres in einer Wohnanlage in Hope Point, Idaho, gibt. Die Filmemacher kontaktieren telefonisch einen namentlich nicht genannten CIA-Mitarbeiter, in der Hoffnung, ein Fragment zu filmen, das sich im Hauptquartier der Agentur in Langley, Virginia, befindet; Sie lehnt ab und erklärt, dass Filmen an einem Ort voller Undercover-Agenten unmöglich ist. (Die Filmemacher halten den Bildschirm vergnügt schwarz, während sie spricht.) Aber sie erklärt auch in überraschend offenen und paradoxen Details die Bedeutung der Mauer für die CIA Als sie fiel, „haben wir die Zukunft der Geheimdienste sozusagen neu überdacht“, sagt sie , denn mit dem besiegten „Feind“ schien es ungewiss, ob die Spionage überhaupt gebraucht wurde. (Spoiler-Alarm: Die CIA hat überlebt.)

Viele der Diskussionen im Film drehen sich um die Spaltungen und Ungerechtigkeiten im amerikanischen Leben und ihren gegenwärtigen politischen Kontext. Ein Mann vor einem Fragment in einer öffentlichen Bibliothek in Kalifornien beschreibt die Mauer als Erinnerung an die Familientrennungen, die zu dieser Zeit unter der Trump-Administration stattfanden. (Der Film wurde im Februar 2020 auf den Berliner Filmfestspielen uraufgeführt.) In der Innenstadt von Miami sieht ihn eine Frau als „verletzendes Symbol“ und bezeichnet die Kluft zwischen wohlhabenden Einwanderern, deren Anwesenheit unbestritten ist, und armen, die „eins sind“. Schritt weg vom Rauswerfen.“ Zwei Studentinnen der University of Virginia, eine schwarz, die andere weiß, sagen, dass eine Mauerplatte dort eine Ablenkung, sogar eine mutwillige, von der eigenen Geschichte der Universität ist – nämlich dass, wie die Schwarze sagt, die Gebäude dort waren there von versklavten Schwarzen gebaut. (Nicht alle Diskussionen sind ähnlich aufgeklärt; eine Frau, die in der Nähe eines Gerichtsgebäudes in Stony Point, New York, spricht, sieht die Mauer als Symbol für Gottes Bestätigung einzelner Nationen und von „Patrioten“, die einen Kampf des „Guten gegen das Böse“ führen. “)

Die umfangreichste, stärkste und historisch spezifischste Sequenz des Films wird in der Gedenkstätte Berliner Mauer an der Mason-Dixon-Linie in Cincinnati, Ohio gedreht. Ein Schwarzer dort erzählt den Filmemachern, dass der Ort „weniger als eine Viertelmeile von einem Sklavenstaat“ entfernt ist und fügt hinzu: „Wenn Sie auf diese Seite des Flusses kamen, waren Sie technisch gesehen frei – technisch.“ Unter Berufung auf die Geschichte seiner eigenen Familie – zwei Verwandte, wie er sagt, wurden 1926 gelyncht – charakterisiert er die Mauer als ein Spiegelbild der schwarzen amerikanischen Erfahrung, was bedeutet, dass „wir nicht allein sind – wir waren nicht allein im Sein“. unterdrückt, noch waren wir allein im Widerstand.“ (In einem scharfen Echo auf den Hinweis des Mannes auf die Flucht versklavter Menschen in die Freiheit folgt dieser Diskussion ein Archivvideo aus dem Jahr 1988, das zwei Männer zeigt, die verzweifelt den Fluss von Ost-Berlin nach West schwimmen.)

Velez, der Kameramann, verlässt sich hauptsächlich auf eine statische, auf einem Stativ befestigte Kamera, die den Bildern des Films einen gewichtigen und monumentalen Ton verleiht, der der Tonnage der Platten, ihren scharfen Linien und harten Texturen und vor allem dem Gewicht der Geschichte entspricht, die sie und der Film tragen. Die meisten Diskussionen filmt er aus der Ferne, manchmal aus großer Entfernung; Stephens, der den Film mit Dounia Sichov geschnitten hat, hält die Teilnehmer oft aus dem Off und setzt ihre Bemerkungen als Voice-Overs ein, die Velez’ weite Rahmen scheinbar ausfüllen und dabei in den amerikanischen Landschaften des Films mitschwingen. Diese raffiniert ästhetisierten, fließenden heuristischen Strategien helfen dem Film, seinen ursprünglichen unpersönlichen Konzeptualismus zu transzendieren, um die Unmittelbarkeit und die reale Macht der politischen Mythologie zu vermitteln – und eine korrigierende Entmythologisierung in Echtzeit zu versuchen. „The American Sector“ ist ein exemplarisches Werk des Kinos als politischer Aktion und ein Beweis (sofern nötig), dass das aktivistische Element eines Films untrennbar mit seiner durchdachten Form verbunden ist.


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