Das Gitarrenspiel von Julian Lage

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Irgendwo in John Cheevers Briefen oder vielleicht in seinen Tagebüchern oder vielleicht auch nur in seinem Gespräch bemerkte er, dass Schreiben kein Wettkampfsport sei. Keine andere Kunst ist es auch, und so weiß ich nicht, wie ich eine Nacht im Januar 2020 beschreiben soll, als ich den Gitarristen Julian Lage im Village Vanguard mit seinem Trio hörte, zu dem Jorge Roeder am Bass und Dave King am Schlagzeug gehören. Ich wollte sagen, dass es die beste Musiknacht war, bei der ich je anwesend war, und das war es, was die Vanguard denken ließ; dann erinnerte ich mich an Cheever. Trotzdem ist mir die Textur dieser Nacht – ihre Kohärenz, ihre Momente der Heiterkeit und subtilen Kühnheit, ihre überraschenden Gegenüberstellungen und ihre Episoden transzendenten Engagements – viele Male in den Sinn gekommen. Ich hätte mir gewünscht, dass jemand eine Aufnahme davon gemacht hätte, aber soweit ich weiß, hat das niemand getan.

Es versteht sich natürlich von selbst, dass, obwohl ich mich daran erinnere, dass die Menge im Vanguard sehr dankbar war, wahrscheinlich nicht alle so dachten wie ich. Meine Eindrücke haben Elemente, wie alle Sinneserfahrungen Elemente, die natürlich alle subjektiv sind, so sehr wir uns auch privat wünschen, dass sie Standards darstellen. Mit acht Jahren wurde ich von den Beatles und den Ventures auf die E-Gitarre geprägt. Die Ventures standen an erster Stelle, genauer gesagt „Walk, Don’t Run“, das ich im Auto meiner Eltern im Radio hörte. Früher malte ich E-Gitarren an den Rand meiner Schulbücher, und im Kunstunterricht habe ich kleine aus Pappe gemacht, wie Puppenhausteile, und sie immer rot gefärbt. Die Formen schienen mir und sind es immer noch obskur erotisch. Das wusste ich damals nicht; Ich habe es nur gespürt. Sie schlugen eine größere Version des Lebens vor als die, die ich kannte, einschließlich des Tragens eines ausgebeulten roten Blazers, um im Schulorchester Trompete zu spielen. Die E-Gitarre ist das einzige Blech-, Holz- oder Saiteninstrument, das ich mir vorstellen kann, das in der Neuzeit entwickelt wurde. Die Form einer Fender Telecaster oder Stratocaster oder Guild Starfire oder Gibson SG oder Les Paul oder Gretsch Chet Atkins Country Gentleman, die George Harrison in „The Ed Sullivan Show“ spielte, oder der schwarze Rickenbacker 325, den John Lennon spielte , gab es erst nach dem Zweiten Weltkrieg. Ihr Design stammt aus der Zeit, als Autodesigner Cadillacs und Lincolns große Flossen verpassten, als Science-Fiction populär war und die Leute über Raketenschiffe und eine Zukunft nachdachten, in der Roboter alles für Sie erledigten, wie in „The Jetsons“.

Ich erhebe dies, um zu sagen, dass ich dazu neige, Auftritte auf der Gitarre gegenüber Auftritten auf anderen Instrumenten zu bevorzugen. Das bedeutet, dass ich, wenn ich Gitarristen zuhöre, Dinge höre, die weniger obsessiv beschäftigte Ohren möglicherweise nicht hören, und auch, dass ich bei den Auftritten von Musikern auf anderen Instrumenten Dinge vermisse, die anspruchsvollere Ohren als meine eigenen hören können. Ich wünschte, das wäre nicht wahr, aber ich weiß, dass es so ist. Je älter ich werde, desto schwieriger versuche ich, es zu überwinden, denn die Welt bietet nicht genug Gelegenheiten für tiefes Engagement und Freude, und ich möchte so viele wie möglich haben.

The Vanguard ist ein intimer Ort und für mich eines der tausend coolen Dinge an New York City. Es befindet sich in einem Keller an der Seventh Avenue South. Coltrane spielte dort und Thelonious Monk – ihre Fotografien hängen an der Wand – ebenso wie Charles Mingus, Miles Davis, Bill Evans und Lages Mentor, der Gitarrist Jim Hall, der in der Nähe wohnte. Kein Platz ist weit von der Bühne entfernt, aber für Lages Auftritt saß ich zufällig auf einem Stuhl an einem Tisch, der nur wenige Meter von Dave King, dem Schlagzeuger, entfernt war, also hörte ich, was die Musiker hörten, als sie es hörten. Die Musik schien direkt aus ihren Händen und Köpfen zu kommen. Lage stand neben King und Roeder, der Bassist, stand auf der anderen Seite von Lage.

Es war das erste Mal, dass ich den Umfang und die Reichweite von Lages Intelligenz näher kennenlernte. Es ist natürlich in seiner Musik offensichtlich – niemand könnte so spielen, wie er es tut, ohne die Absicht zu haben, alles in den Griff zu bekommen –, aber er hat eine Menge Kerzenmacht, auf die er zurückgreifen kann, und es war unwiderstehlich zu sehen, wie sie innig beschworen wurde. Ich hatte das Gefühl, als ob er und seine Kohorten Sätze mit einem Alphabet aus Notizen schreiben, wenn das nicht zu spitz ist.

Lage ist dreiunddreißig. Er ist etwas über mittelgroß und etwas schlaksig. Er hat ein langes, schmales Gesicht und eine hohe Stirn, und wenn er sich nicht rasiert, sieht er aus wie ein weniger nüchterner Abraham Lincoln. Seine Art ist bescheiden und gelassen, aber auch aufmerksam. Es gibt einen Film über ihn als Kind mit dem Titel „Jules at Eight“, der 1996 von Mark Becker gedreht wurde, in dem Lage eine Stratocaster spielt, die ungefähr so ​​groß wie er zu sein scheint, und er sagt, dass er Gitarre gespielt hat jeden Tag, seit er fünf war, außer an einem Tag, an dem er eine Zugfahrt machen musste und die Gitarre nicht mitbringen konnte; „Ich bereue diesen Tag wirklich“, sagt er klagend. Mit acht hatte er mit Carlos Santana auf der Bühne gespielt und mit elf hatte er mit dem Mandolinenvirtuosen David Grisman aufgenommen. Wie Kurt Rosenwinkel, John Mayer und David Rawlings besuchte er das Berklee College of Music in Boston, eine Art Treibhaus für schlaue, technisch versierte Musiker, von denen ein kleiner Teil das Niveau dieser vier erreicht. Zu Lages Übungsroutinen gehört das Improvisieren zu den Rhythmen berühmter Reden, meistens von James Baldwin. Vor etwa drei Jahren hat er sein Trio zusammengestellt.

Ausstrahlung ist eine Eigenschaft, die ich mit Lage verbinde, in seinem Spiel und in seinem Temperament. Ich denke, diese Qualität zeigt sich in einem Performance-Video, in dem er mit seiner Frau, der Songwriterin Margaret Glaspy, auftritt, die ihr Lied „Parental Guidance“ singt. Irgendwo in der Mitte von Lages Solo scheint er sich selbst zu überraschen, als ob er von etwas, das er gerade gehört hat, begeistert wäre. Ich glaube nicht, dass er schüchtern ist, und ich denke nicht, dass es eine Show-Business-Geste ist – das heißt, ich glaube nicht, dass es ein einstudiertes Solo ist, das diese Geste beinhaltet, weil ich andere Versionen des Songs gesehen habe , und er spielt nicht dasselbe Solo oder reagiert ähnlich. Es scheint eine Offenbarung zu sein, die sich in Echtzeit entfaltet –eine echte Darstellung eines inneren Zustandes. Musik hat natürlich die Fähigkeit, unerwartete Reaktionen hervorzurufen, und es scheint, dass wir in dem Maße, in dem wir sie leben, auch etwas Lebendiges und Mysteriöses in uns selbst haben.

Ich kannte nichts von dem Material, das Lage im Vanguard gespielt hat, aber jetzt weiß ich es, weil er ein Album namens „Squint“ veröffentlicht hat, das viele der Songs aus dem Set enthält, die ich gehört habe. Alle bis auf zwei der Songs, die er geschrieben hat.

Die Lieder folgen meist unmittelbar aufeinander, als wären sie fortlaufende Gedanken oder Teile eines Liederzyklus. Das Album beginnt mit einem Solostück namens „Etude“, das aus einer Reihe von wasserähnlichen Figuren, acht Themenabschnitten und Variationen besteht, bevor Lage das ursprüngliche Thema erneut aufgreift. Es folgt „Boo’s Blues“, eine Hommage an einen Stil und eine Epoche. Als nächstes kommt „Squint“, ein eckiges Grübeln, bei dem eine Phrase in einem Register beginnt und in einem anderen endet, und die Auf- und Abstiege sind manchmal aufgrund ihrer Reichweite verblüffend. Es erinnerte mich an die Tänzer, die stolpern und fallen und sich aufrichten, bevor sie auf den Boden fallen.

„Squint“ führt zu „Saint Rose“, das um eine Reihe von aufeinander gestapelten ansteigenden Intervallen herum aufgebaut ist. Lages Ton ist klar und klingend und ein wenig hart. Zen-Surfmusik ist für mich das, wonach es sich anhört. „Familiar Flower“ hat eine metrisch komplexe Melodie. Lage scheint sich ein Timing-Problem gestellt zu haben, das nicht gelöst werden kann, aber am Ende jeder Phrase löst er sich plötzlich aus seinen Fesseln. „Quiet Like a Fuse“ hat ein eindringliches modales und elegisches Feeling. Es ist ein wenig traurig, aber auch entschlossen und ruhig bedacht.

Es gibt noch einige weitere Songs, darunter zwei Coverversionen: „Emily“, eine Ballade von Johnny Mandel und Johnny Mercer, aus dem Film „The Americanization of Emily“, der 1964 herauskam; und “Call of the Canyon”, das Gene Autry, der singende Cowboy, 1940 im Film “Melody Ranch” sang, aber Sie bekommen das Bild. Wenn ich die Augen schließe, kann ich mir das Album anhören und teilweise in die Nacht im Vanguard zurückkehren, obwohl wir, wie bei allen Erinnerungen, nie die Person sind, die wir waren, als die Erinnerung entstand. Gefällt mir trotzdem sehr gut.


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