5 Minuten, die Sie Tenöre lieben lassen

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In der Vergangenheit haben wir ungefähr fünf Minuten gewählt, um unsere Freunde zum Verlieben zu bringen klassische Musik, das Klavier, Oper, das Cello, Mozart, Komponisten des 21. Jahrhunderts, die Geige, Barockmusik, Sopranistinnen, Beethoven, die Flöte und Streichquartette.

Jetzt wollen wir diese neugierigen Freunde davon überzeugen, die leidenschaftliche, klingende Tenorstimme zu lieben. Wir hoffen, dass Sie hier viel zu entdecken und zu genießen finden. Hinterlassen Sie Ihre Auswahl in den Kommentaren.

Mein Vater Loudon hat die Oper noch nie sehr gemocht. Aber als ich 13 war, hat mich der Opernfehler hart getroffen, und ich bin mir ziemlich sicher, dass er eine Luciano Pavarotti-CD gekauft hat, um besser zu verstehen, was ich durchgemacht habe. Einer der Tracks war eine aufregende Version von „Di rigori armato seno“ aus Strauss ‘„Der Rosenkavalier“, und ich war von der Arie fasziniert. Pavarottis Interpretation verbindet mich auch mit einer späteren, großartigen Erfahrung, als Luciano während einer Aufführung von „Rosenkavalier“, an der ich an der Metropolitan Opera teilnahm, auf magische Weise – ohne Abrechnung – erschien, um die Cameo-Rolle des italienischen Tenors und dieser Arie zu singen. Das Publikum war total verrückt. Es war das erste und einzige Mal, dass ich ihn live gesehen habe.

Es dauert nur einen Moment, um den Befehl und die Leidenschaft in der Stimme des großen Mario Del Monaco zu hören. Sie müssen kein Italienisch sprechen, um zu verstehen, wer Otello ist: Er ist maßgebend; er ist ein Kommandant; Er ist triumphierend nach Zypern zurückgekehrt. Diese kurze Arie ist notorisch tückisch, aber Del Monaco greift sie mit furchtloser Hingabe an. Wenn er diese Rolle sang, erhielt er oft wilden Applaus für nur diese wenigen Sekunden Musik, was meiner Meinung nach viel über die Auswirkungen aussagt, die selbst eine kleine Menge kraftvoller Musik mit dem richtigen Interpreten haben kann.

Vor vielen Jahren befand ich mich auf Tour in der malerischen Stadt Borlange in Schweden. Während meiner Erkundung stieß ich auf ein Museum, das dem Mann gewidmet war, der als „schwedischer Caruso“ bekannt ist: Borlanges eigener Jussi Björling. Das erste Mal die Reinheit, Reichweite und Emotion in seiner Stimme zu hören, an diesem seltenen freien Tag an einem wunderschönen Ort weit weg von zu Hause, war etwas Besonderes und hat meine Seele wirklich berührt. Vielleicht sind meine eigenen skandinavischen Wurzeln aufgewacht! Ich habe Björlings Aufnahmen seitdem geliebt – einer meiner Favoriten ist “O Helga Natt”, “O Holy Night” auf Schwedisch – und mich oft gefragt, warum dieses Juwel eines Tenors in Amerika nicht besser bekannt ist.

Als ich ungefähr 13 Jahre alt war, brauchte ich nur ungefähr dreieinhalb Minuten – die Länge der Arie „E lucevan le stelle“ aus Puccinis „Tosca“ -, um mich in Tenöre zu verlieben. Besonders Jussi Björling, der Sänger einer klassischen Opernaufnahme von 1957. Björlings Stimme verband schmelzenden Reichtum mit pochender Intensität. Sein Sound war von Natur aus so ausdrucksstark, dass alles, was er sang, selbst eine flotte Arie, einen melancholischen Schimmer hatte. Und in dieser Arie, in der Cavaradossi vor der Hinrichtung einen letzten Brief an seine geliebte Tosca verfasst, ist Björlings klagender, schmerzender Gesang unvergleichlich schön.

Ich kann mich leicht an die erste Tenor-Arie erinnern, die ich je gehört habe. Ich hatte gerade beschlossen, Gesang zu studieren, nachdem ich Musikausbildung und Klarinettenmajor absolviert hatte. Das letzte bisschen ist wichtig, denn obwohl ich in dieser Arie wegen des atemberaubenden Schreibens für Klarinette in der Einleitung gekommen bin, bin ich für den Sänger geblieben. Ich kann mir keine köstlichere Einführung in Tenöre vorstellen als „E lucevan le stelle“. Bei der ersten Anhörung war ich von seinem Drama und seiner Schönheit absolut fasziniert. Der Tenor stellte sich als unvergleichlicher Franco Corelli heraus, und ich habe immer große Menschlichkeit in seinem Klang gehört: Reichtum, Freude, Traurigkeit, Aufregung, Schärfe.

Ich war ein kleiner Junge, als mir jemand diese Platte geschenkt hat. Das Orchester stellte Franco Corellis breite, lebendige Stimme vor, die von Gefühlen durchdrungen war und direkt ins Herz ging. Sein Gesang fühlte sich spontan an: süß in Momenten, brüllend in anderen, aber immer befehlend. Trotz meines jungen Alters konnte ich erfassen, inwieweit Musik die überwältigendsten Emotionen übertragen kann, viel mehr als nur Worte – und den Hörer in einen erhöhten Zustand des Wohlbefindens versetzen. Im Timbre seiner Stimme spürte ich auch die Stärke einer Begegnung, die mein Leben prägen würde: Viele Jahre später würde Corelli mein Lehrer werden.

In diesem jakobinischen Lautenlied, das Schlaflosigkeit verbannen soll, verschmelzen Worte und Melodie zu einem. Ich sage Lied, aber es ist wirklich eine Beschwörung: Der Sänger ruft den Schlaf herbei, um den Schmerz eines Freundes zu lindern, und fällt selbst in seinen beruhigenden Bann, bis nicht mehr klar ist, wer wessen Gebot abgibt. Der Komponist und Lautenist Robert Johnson (1583-1633) muss John Fletchers Gedicht aufgegriffen haben, weil seine Sprache bereits melodische Konturen nachzeichnet – „leicht, süß und als purling Strom“. Für den Sänger ist der Text eine Einladung, die Stimme aufzuhellen und zu glätten, bis sie schwebt, sich kräuselt und streichelt wie der „hohle, murmelnde Wind“.

Saiten schimmern in einem himmlischen Register, als die Titelfigur von Wagners „Lohengrin“ beginnt, seine Geschichte zu erzählen. In einem fernen Land, singt er leise, gibt es eine Burg namens Montsalvat, in der die reinsten Männer über ein heiliges Relikt wachen: “Es heißt Gral.” Bei diesen Worten schwillt die Musik zu einer Stärke an wie ein Lichtblitz – der Himmel öffnet sich in Offenbarung, Lohengrins Stimme ist ein Klärgefäß für die Kraft des Heiligen Grals. Mit dem richtigen Tenor, wie Jonas Kaufmann hier, kann dieser Übergang von stiller Nüchternheit zu heldenhafter Ausstrahlung genauso beeindruckend sein wie der Schatz, den er beschreibt.

Eine junge Frau klopft an die Tür ihres Nachbarn und sucht ein Licht für ihre Kerze. der nachbar stellt sich als dichter vor und flirtet ein bisschen. Einfacher geht es nicht, aber in der Musik von Puccini und der goldenen Stimme von Pavarotti, die sich mit stetiger Leichtigkeit zur Verzückung erhebt, ist es großartig.

Nachdem ich mein Haus monatelang kaum verlassen hatte, zog es mich zu einem Lied aus Emmerich Kalmans Operette „Gräfin Mariza“, in dem der verarmte Graf Tassilo irgendwo in Ungarn sitzt und sich an seine glorreichen Tage in der Wiener Gesellschaft erinnert. Es ist ein langsamer Walzer – eine Erinnerung an schnellere Walzer und ein nostalgisches Klangbild des Österreich vor dem Ersten Weltkrieg. (Die Operette wurde 1924 uraufgeführt.) Während Tassilo kurz nach „meinem Wien“ transportiert wird, bewegt sich der Moll-Vers zu einem helleren Dur-Refrain und einer Folge von hohen Tönen. Ich liebe den Reichtum und die Einfachheit dieser Aufnahme von Fritz Wunderlich; sein tragisch kurzes Leben macht es noch bittersüßer.

Fritz Wunderlichs Aufnahme von „Granada“ ist eine meiner einsamen Inselscheiben. Sein Gesang ist unglaublich, voller Energie. Er sang alles mit so viel Liebe und Hoffnung, so viel Leidenschaft und so viel Feuer, dass man glaubte, es sei die letzte Aufführung, die er jemals geben würde. Wann immer er sang, war er nicht nur zu 100 Prozent ein Künstler, sondern auch zu 100 Prozent ein Mensch; Es gab immer eine direkte Verbindung zwischen seinen Gefühlen und denen seiner Zuhörer. Bei ihm klangen selbst flache Musik und matschige Texte wie das Schönste auf der Welt.

Es gibt in ganz Wagner keinen rein aufregenderen Moment als das Ende des ersten Aktes von „Die Walküre“, als Siegmund das Schwert Nothung von einem Baum zieht und sich damit eine Braut gewinnt, Sieglinde – die, das ist Wagner, gerade zufällig seine Zwillingsschwester. Und es gab in Wagners Musik keinen rein aufregenderen Tenor als Lauritz Melchior, den in Dänemark geborenen Liebling der Met Opera in den 1930er und 40er Jahren. Melchior’s Siegmund klingelt 1935 durch das Wiener Mikrofon und ist leidenschaftlich, intelligent, knackig – in jeder Hinsicht komplett.

Peter Pears ist seltsamerweise wahrscheinlich der wichtigste Tenor in der Musikgeschichte. Seltsamerweise, weil er keineswegs ein typischer Tenor war. Caruso, Pavarotti, Domingo: Dies sind die Modelle, und Pears ‘seltsames Timbre passt nicht wirklich zu ihrem. Aber er inspirierte mehr großartige Musik von seinem Partner, dem Komponisten Benjamin Britten, als jeder andere Sänger des 20. Jahrhunderts: Opern wie „Peter Grimes“ und viele erstaunliche Lieder. Birnen singen auch Schubert sehr schön.

In schwierigen Zeiten wende ich mich oft an Schuberts „Der Leiermann“, um mich zu trösten. Der letzte Satz seines berühmten Liederzyklus „Winterreise“ fühlt sich verletzlich und seltsam, intim und fremd an. Dies gilt insbesondere für neuere Aufnahmen wie diese Veröffentlichung von 2009, in der Paul Lewis die evokative Dissonanz vom Klavier neckt und der Tenor Mark Padmore über ihm schwebt. Sie spielen mit einer gedämpften Qualität, die Sie in einem erwarten können emotional ausgesetzt Popsong, der Schubert ein Gefühl für die Wärme und Kälte der Melancholie gibt, gleichzeitig modern und zeitlos.

Wenn ich jemanden sagen höre, dass die Avantgarde des 20. Jahrhunderts ein Friedhof für Melodien war, denke ich immer daran Hans Werner Henze als primäres Gegenbeispiel, insbesondere das Ende von seine Oper “Die Bassariden”. Mit der Adaption von Euripides ‘”The Bacchae” nahm Henze die Herausforderung an, Musik mit dionysischer Reichweite zu schreiben: erschreckend in seiner Kraft, aber auch glaubwürdig in der Lage, vergnügungssuchende Seelen in die Irre zu führen. Seine Sänger müssen die modernistische Komplexität der Partitur auf den Punkt bringen und gleichzeitig an ihren verführerischen Fäden ziehen. Wann Ich hörte den Tenor Sean Panikkar Dionysos singen An der Komischen Oper in Berlin im Jahr 2019 war ich bereit, mich für die Armee des Weingottes anzumelden.

Als er “La fleur que tu m’avais jetée” von “Carmen” sang, war Jon Vickers der erste Tenor, der mich vollständig in den Moment und das, was sich wie sein Herz anfühlte, hineinzog. Seine Interpretation ist erfüllt von gefühlvoller Zärtlichkeit und einer ehrlichen Kraft, die von unzähligen Stimmfarben und Dynamiken geprägt ist. Während er sich nahtlos an die Spitze seines Registers erhebt, erreicht er von der vollen Tiefe seiner Seele bis zu den Höhen reiner Ehrlichkeit. Er nimmt uns mit auf eine emotionale Reise, auf der wir seine Leidenschaft vollständig verstehen, ohne uns eine Übersetzung des Textes ansehen zu müssen.

Diese Arie aus „Aida“ ist eine der beliebtesten und gefürchtetsten (zumindest von Sängern) in der Oper. Es hat eine heldenhafte Einführung, dann ändert sich schnell die Emotion; Mitreißende lyrische Sätze überzeugen uns von der Aufrichtigkeit der Hingabe des Soldaten Radamès an seine Liebe Aida. Hören Sie sich hier die letzte Note an: ein hohes B-Dur, gesungenes Pianissimo. Die meisten Tenöre schreien es aus, aber es leise zu machen, wie Verdi es wollte, ist sehr schwierig. Der große Johan Botha, der 2016 starb, war einer der wenigen Tenöre, die es mit solcher Schönheit und Überzeugung schaffen konnten.

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